Opera and the Spanish Empire
Genres, encounters and translations
The aim of the event “Opera & Spanish Empire” is to create a space for interdisciplinary reflection and dialogue that explores the role of opera within the historical, cultural, and political contexts of the Spanish Empire. Through the analysis of its narrative, performative, and symbolic functions, the event seeks to understand how this artistic genre operated as a vehicle of power, resistance, cultural translation, and transimperial circulation between Europe, Latin America, Asia, and Africa—from the colonial period to the 19th century.
TUESDAY 1 JULY 2025 EMBASSY OF MEXICO IN IRELAND
14.50-15.00 Welcome speech by the Mexican Ambassador in Ireland Carolina Zaragoza Flores
15.00-16.30
SESSION 1. Staging the Conquista: Mexico and Peru
Chair: Francesco Milella González Luna (University College Dublin)
León Alfonso Colorado Hernández (Universidad Veracruzana)
Dicotomías imperiales y razón de Estado en la víspera de la Guerra de los Siete Años: la ópera Montezuma (1755) de Carl H. Graun
Roberto Scoccimarro (Berner Fachhochschule)
The ‘drammi seri’ based on Marmontel’s Les Incas, ou la destruction de l’Empire du Pérou (1776): Alonso e Cora, Idalide, La vergine del Sole. Reflections on the relationship between conqueror and conquered in late eighteenth and early nineteenth century opera seria
Asier Odriozola Otamendi (Universidad del País Vasco – Euskal Herriko Unibertsitatea)
An allegory of imperial and monarchical power: political propaganda and dynamics of legitimisation in the opera Fernand Cortez (1809–1817)
16.30-17.00: coffee break offered by the Embassy of Mexico in Ireland
17.00-18.00
SESSION 2. Opera, Latin America and the legacies of Spanish imperialism
Chair: José Manuel Izquierdo König (Pontificia Universidad Católica de Chile)
Zoila Elena Vega Salvatierra (Pontificia Universidad Católica del Perú)
“Al que a España ha dado un mundo”: La romantización de la conquista y la profecía de la independencia en la ópera Atahualpa de Carlo Enrico Pasta (Lima, 1877)
Emmanuel Pool (independent researcher, Mexico)
De Diego Landa al siglo XX. Representaciones de «lo maya» en la ópera yucateca de 1924 a 1934
Leonardo Manzino (Universidad de la República)
Opera in Uruguayan territory during the nineteenth century: from the Tonadilla Escénica in the Viceroyalty of the Río de la Plata to the rise of Uruguayan opera with Italian flair
18.00-18.45: wine reception offered by the Embassy of Mexico
LEÓN ALFONSO COLORADO HERNÁNDEZ
(Universidad Veracruzana)
Dicotomías imperiales y razón de Estado en la víspera
de la Guerra de los Siete Años: la ópera Montezuma (1755) de Carl H. Graun
ENGLISH
Frederick II of Prussia, known as Frederick the Great, wrote the libretto for the opera Montezuma in French, and his court poet, Giampetro Tagliazucchi, translated it into Italian. The opera premiered in Berlin on 6 January 1755. The military phase of the Seven Years’ War (1756–1763) began with Prussia’s invasion of Saxony on 29 August 1756; however, the war had effectively been set in motion by the so-called Diplomatic Revolution of 1755, during which the opposing alliances were established: on one side, Prussia, Great Britain, Portugal (alongside several German principalities and electorates); on the other, France, Austria, Sweden, Saxony, Naples (and, later, Spain).
This paper aims to demonstrate that Frederick the Great’s libretto—and, by extension, Graun’s opera—presents not merely a general or abstract conflict between the Spanish and Aztec empires, between Montezuma and Hernán Cortés, but rather a diplomatic allegory shaped by contemporary international relations. It explores presumed imperial dichotomies (dynastic, ideological, religious), mediated through the lens of raison d’État. The present work stems from the doctoral thesis La Conquista cantada. Fuentes historiográficas de tres óperas del Siglo de las Luces sobre la Conquista de México, completed at Pompeu Fabra University in 2016 under the supervision of Enric Ucelay Da Cal.
ESPAÑOL
Federico II de Prusia, el Grande escribió el libreto de la ópera Montezuma en francés y el poeta de su Corte, Giampetro Tagliazucchi, lo tradujo al italiano. La ópera se estrenó el 6 de enero de 1755 en Berlín. Con la invasión de Sajonia por Prusia el 29 de agosto de 1756 iniciaron las actividades militares de la Guerra de los Siete Años (1756-1763); sin embargo la Guerra había comenzado con la llamada Revolución Diplomática en 1755 en el cual se definieron los bandos: de un lado Prusia, Gran Bretaña, Portugal (más algunos principados y electorados alemanes) frente Francia, Austria, Suecia, Sajonia, Nápoles (y, más tarde, España).
La ponencia buscará demostrar que el libreto de Federico el Grande y, por lo tanto, la ópera de Graun, presentan no sólo un conflicto en general o en abstracto entre el imperio español y el azteca, entre Moctezuma y Hernán Cortés, sino en clave diplomática internacional a partir de las presuntas dicotomías imperiales (dinásticas, ideológicas, religiosas) mediatizadas por la razón de Estado. Este trabajo se presenta a partir de tesis de doctorado realizada en la Universidad Pompeu Fabra en 2016, La Conquista cantada. Fuentes historiográficas de tres óperas del Siglo de las Luces sobre la Conquista de México, dirigida por Enric Ucelay Da Cal.
Alfonso Colorado holds a BA in Hispanic Language and Literature from Universidad Veracruzana, an MA in Comparative History from the Universitat Autònoma de Barcelona, and a PhD in History from Universitat Pompeu Fabra. He has led research departments at Mexico’s Museum of Modern Art (INBA) and the Museum of Art of the State of Veracruz (IVEC), and was an editor at the National Centre for Musical Research. His work has been published by UNAM, INBA, the Mexican Society of Modern Art, and the universities of Texas, Bordeaux, and Montpellier. He edited El pentagrama político (2016) and Desde el naufragio (2021). He teaches at the Faculties of Literature and History at Universidad Veracruzana, where he also conducts research at the Centre for the Study of Culture and Communication. In 2022, he taught a postgraduate course at UNAM on revolutionary nationalism and music. He belongs to the research group Nacions, Estats i Soberanies (UPF) and is Director of Cultural Outreach at Universidad Veracruzana.
Alfonso Colorado es licenciado en Lengua y Literatura Hispánica por la Universidad Veracruzana, maestro en Historia Comparada por la Universitat Autònoma de Barcelona y doctor en Historia por la Universitat Pompeu Fabra. Ha sido jefe de investigación en el Museo de Arte Moderno (INBA) y en el Museo de Arte del Estado de Veracruz (IVEC), así como editor en el Centro Nacional de Investigación Musical. Ha publicado en la UNAM, el INBA, la Sociedad Mexicana de Arte Moderno y las universidades de Texas, Bordeaux y Montpellier. Es coordinador de El pentagrama político (2016) y Desde el naufragio (2021). Es profesor en las facultades de Letras e Historia de la Universidad Veracruzana y ha sido investigador en su Centro de Estudios de la Cultura y la Comunicación. En 2022 impartió un curso de posgrado en la UNAM sobre nacionalismo revolucionario y música. Forma parte del grupo de investigación Nacions, Estats i Soberanies (UPF) y dirige la Difusión Cultural en la Universidad Veracruzana.
ROBERTO SCOCCIMARRO
(Berner Fachhochschule)
The ‘drammi seri’ based on Marmontel’s Les Incas, ou la destruction de l’Empire du Pérou (1776): Alonso e Cora, Idalide, La vergine del Sole.
Reflections on the relationship between conqueror and conquered in late eighteenth and early nineteenth century opera seria
ENGLISH
Jean-François Marmontel’s novel Les Incas, ou la destruction de l’Empire du Pérou (1777) was the source of inspiration for numerous ‘drammi seri’ composed in the years 1780-1810. The first libretto, Ferdinando Moretti’s Idalide (1783), was set in music by Sarti, Cherubini, Rispoli and Cimarosa. Giuseppe Maria Foppa’s Alonso e Cora, an adapatation of Moretti’s Idalide, was set to music by Francesco Bianchi. In the 1790s, four poets addressed the subject: Carlo Lanfranchi Rossi (La vergine del Sole, Tritto; Andreozzi), Giovanni Schmidt (Gli americani, Tritto), Giuseppe Bernardoni (Alonso e Cora, Mayr) and Gaetano Rossi (Mayr). Although an essay by Markus Oppeneiger (2016) dealt with the operas by Sarti and Cherubini, a comprehensive study of the operas on this topic is lacking to date. The stigmatization of the Spanish conquerors, the central assumption of Marmontel's novel, is filtered by the librettists through various motifs that make the political-cultural conflict overly complex. This contribution aims to analyze how the two ethnic identities are presented on an ethical and political level, trying to answer some questions: which side is represented as bloodthirsty and power-hungry? Which one imposes religious and political laws that are incompatible with the love of the central couple? In what ways is the almost obligatory final reconciliation reached? These questions are to be answered by studying, in addition to the behavior of the characters, the linguistic choices of the librettos. Finally, possible signs of ethnic identity will be sought in the music, as well as significant elements, e.g. formal structures, which indicate the nodes of conflict.
A few examples can show the thematic variety in relation to the literary model. In Moretti’s adaptation, the Spanish nobleman who falls in love with the Inca virgin Idalide succeeds in moving King Ataliba and reversing the law requiring her sacrifice through a “tirade” that appeals to Reason and Nature. In the libretto for Tritto, the Spaniard Gonzalvo cohabits with an Inca group and is willing to fight alongside the local population against his own father. A different point of view takes place in Rossi’s libretto, in which the lovers, Idalide and Zamoro, are both Inca; the villain character is now the Spaniard Gusmano, who would like to force Idalide into a marriage of political convenience. Based on these different perspectives, this paper aims to understand what means and solutions the language of late 18th-century operaadopted in confronting the relationship between conqueror and conquered.
ESPAÑOL
La novela Les Incas, ou la destruction de l’Empire du Pérou (1777) de Jean-François Marmontel fue fuente de inspiración para numerosos drammi seri compuestos entre 1780 y 1810. El primer libreto, Idalide (1783) de Ferdinando Moretti, fue musicalizado por Sarti, Cherubini, Rispoli y Cimarosa. Una adaptación de este libreto, titulada Alonso e Cora y escrita por Giuseppe Maria Foppa, fue puesta en música por Francesco Bianchi. En la década de 1790, cuatro poetas retomaron el tema: Carlo Lanfranchi Rossi (La vergine del Sole, musicada por Tritto y Andreozzi), Giovanni Schmidt (Gli americani, Tritto), Giuseppe Bernardoni (Alonso e Cora, Mayr) y Gaetano Rossi (Mayr). Aunque Markus Oppeneiger abordó en un estudio (2016) las óperas de Sarti y Cherubini, aún no existe una investigación de conjunto sobre las obras operísticas inspiradas en esta temática. La estigmatización de los conquistadores españoles —supuesto central de la novela de Marmontel— es reinterpretada por los libretistas a través de diversos motivos que complejizan el conflicto político-cultural. Este trabajo busca analizar cómo se presentan las dos identidades étnicas en los planos ético y político, tratando de responder a varias preguntas: ¿qué parte es representada como sedienta de sangre y poder? ¿Cuál impone leyes religiosas y políticas incompatibles con el amor de la pareja protagonista? ¿De qué manera se alcanza la casi obligada reconciliación final? Estas interrogantes se abordarán a partir del estudio, tanto del comportamiento de los personajes, como de las elecciones lingüísticas en los textos. Asimismo, se buscarán posibles signos de identidad étnica en la música, así como elementos significativos —por ejemplo, estructuras formales— que indiquen los núcleos del conflicto.
Algunos ejemplos permiten mostrar la variedad temática en relación con el modelo literario. En la adaptación de Moretti, el noble español enamorado de la virgen inca Idalide logra conmover al rey Ataliba y revocar la ley que exige su sacrificio mediante una tirade apelando a la Razón y la Naturaleza. En el libreto de Tritto, el personaje de Gonzalvo, también español, convive con un grupo inca y está dispuesto a luchar junto a ellos contra su propio padre. Una perspectiva distinta aparece en el libreto de Rossi, donde los amantes, Idalide y Zamoro, son ambos incas, y el antagonista es el español Gusmano, quien intenta forzar a Idalide a contraer un matrimonio por conveniencia política. A partir de estas diversas perspectivas, este estudio busca comprender qué recursos y soluciones empleó el lenguaje de la ópera de fines del siglo XVIII para representar la relación entre conquistador y conquistado.
Roberto Scoccimarro is a scientific collaborator in the SNF project “Lukas Sarasin und das Phänomen des Collegium Musicum um 1800” at HKB Bern. In 2023 he worked for the project “How they used to sing Verdi” at the University of Bologna, previously for the “Schott-Archiv” and “Beethoven-Sammlung” projects at the Berlin State Library and the “Hofmusik Dresden” project. His doctoral thesis on Leonardo Leo’s serious dramas, discussed at the Hochschule für Musik und Tanz in Cologne, was published by Ortus Publishing House (2020). He holds a bachelor’s degree in Music History (Pierluigi Petrobelli), and, in parallel with private studies in composition, a piano diploma from the Santa Cecilia Conservatory in Rome. His main areas of research are Opera Studies, the “Neapolitan” school and the study of compositional sketches (Skizzenforschung).
Roberto Scoccimarro es colaborador científico en el proyecto del Fondo Nacional Suizo (SNF) “Lukas Sarasin und das Phänomen des Collegium Musicum um 1800” en la Hochschule der Künste Bern (HKB). En 2023 colaboró en el proyecto “How they used to sing Verdi” en la Universidad de Bolonia, y anteriormente participó en los proyectos “Schott-Archiv” y “Beethoven-Sammlung” en la Biblioteca Estatal de Berlín, así como en el proyecto “Hofmusik Dresden”. Su tesis doctoral sobre los dramas serios de Leonardo Leo, defendida en la Hochschule für Musik und Tanz de Colonia, fue publicada por Ortus Musikverlag en 2020. Es licenciado en Historia de la Música, formación que cursó con Pierluigi Petrobelli, y obtuvo el diploma de piano en el Conservatorio Santa Cecilia de Roma, paralelamente a estudios privados de composición. Sus principales líneas de investigación son los estudios sobre ópera, la escuela “napolitana” y la investigación sobre esbozos compositivos (Skizzenforschung).
ASIER ODRIOZOLA OTAMENDI
(Universidad del País Vasco – Euskal Herriko Unibertsitatea)
An allegory of imperial and monarchical power: political propaganda and dynamics of legitimisation in the opera Fernand Cortez (1809–1817)
ENGLISH
At the beginning of the nineteenth century, a period marked by transformation both in the continental and Atlantic landscapes, French musical and operatic production reflected the evolving relations between France and Spain. In this context, the opera Fernand Cortez, ou la conquête du Méxique, with music by Gaspare Spontini (1774-1851) and a libretto by Étienne de Jouy (1764-1846) and Joseph-Alphonse Esmenard (1770-1811), presents multiple possibilities for research. The opera highlights parallels and historical transpositions between the French and Spanish empires stand out, as well as Hernán Cortés' conquest of Mexico, recreated in the work. Additionally, it offers insights into Franco-Hispanic political relations and reflects how internal factors influenced the creation and reception of propagandistic discourses. Specifically, it reveals the significance of dynamics within the French musical system and personal interests involved in its 1809 premiere, which aimed to legitimise the Napoleonic invasion of Spain. Furthermore, it uncovers the complexities of a new version of the opera staged in 1817, adapted to support the restored monarchy of Louis XVIII.
Historiography has already examined its spectacular nature and its connection to the grand opéra genre, as well as the historicity of its libretto and plot. Building on these contributions, this paper explores the relationship between music and propaganda by comparing the historical circumstances of the premiere of Fernand Cortez in 1809 with its revival in 1817. It highlights the dynamics of adaptation and the varied interests of the agents involved in its creation. In particular, it addresses the role of context in the production and interpretation of the opera and how this affected the projections and perceptions of Spain (and the Spanish Empire) as a symbolic device and allegory of French power during the Napoleonic Empire and the Bourbon Restoration.
SPANISH
A comienzos del siglo XIX, un periodo marcado por transformaciones tanto en el ámbito continental como atlántico, la producción musical y operística francesa reflejó la evolución de las relaciones entre Francia y España. En este contexto, la ópera Fernand Cortez, ou la conquête du Méxique, con música de Gaspare Spontini (1774–1851) y libreto de Étienne de Jouy (1764–1846) y Joseph-Alphonse Esmenard (1770–1811), ofrece múltiples posibilidades de estudio. La obra pone de relieve paralelismos y transposiciones históricas entre los imperios francés y español, así como la recreación de la conquista de México por Hernán Cortés. Además, permite examinar las relaciones político-culturales franco-hispánicas y muestra cómo factores internos influyeron en la elaboración y recepción de discursos de corte propagandístico. En particular, revela la importancia de las dinámicas del sistema musical francés y de los intereses personales implicados en su estreno de 1809, orientado a legitimar la invasión napoleónica de España. Asimismo, da cuenta de las complejidades de una nueva versión representada en 1817, adaptada para apoyar a la monarquía restaurada de Luis XVIII.
La historiografía ya ha estudiado el carácter espectacular de la ópera y su relación con el género del grand opéra, así como la historicidad de su libreto y argumento. Sobre la base de estas contribuciones, esta ponencia se centra en la relación entre música y propaganda, comparando las circunstancias históricas del estreno de Fernand Cortez en 1809 con su reposición en 1817. El análisis destaca las dinámicas de adaptación y los diversos intereses de los agentes implicados en su creación. En particular, se aborda el papel del contexto en la producción e interpretación de la ópera y cómo este condicionó las proyecciones y percepciones de España (y del Imperio español) como recurso simbólico y alegoría del poder francés durante el Imperio napoleónico y la Restauración borbónica.
Asier Odriozola Otamendi is a postdoctoral researcher at the Universidad del País Vasco- Euskal Herriko Unibertsitatea. He earned his PhD from the Universitat Pompeu Fabra (Barcelona) with a dissertation examining the relationship between Basque opera and Spanish music from the late 19 th to the early 20 th century. His current research focuses on musical diplomacy and propaganda in French opera during the Bourbon Restoration and Basque music in the 1930s and 1940s. He has completed research stays at the Université Paris IV-Sorbonne and the EHESS in Paris, and has published in journals like Nations and Nationalism and Music & Letters.
Asier Odriozola Otamendi es investigador postdoctoral en la Universidad del País Vasco – Euskal Herriko Unibertsitatea. Obtuvo su doctorado en la Universitat Pompeu Fabra (Barcelona) con una tesis dedicada al estudio de la relación entre la ópera vasca y la música española desde finales del siglo XIX hasta comienzos del XX. Su investigación actual se centra en la diplomacia musical y la propaganda en la ópera francesa durante la Restauración borbónica, así como en la música vasca de las décadas de 1930 y 1940. Ha realizado estancias de investigación en la Université Paris IV-Sorbonne y en la EHESS de París, y ha publicado en revistas como Nations and Nationalism y Music & Letters.
ZOILA ELENA VEGA SALVATIERRA
(Pontificia Universidad Católica del Perú)
“Al que a España ha dado un mundo”:
La romantización de la conquista y la profecía de la independencia en la ópera Atahualpa de Carlo Enrico Pasta (Lima, 1877)
ENGLISH
On 11 January 1877, Carlo Enrico Pasta, an Italian composer who had long been established in South America, successfully premiered his four-act opera Atahualpa in Lima. The libretto was by Antonio Ghislanzoni, the same librettist who wrote Aida for Giuseppe Verdi. Although the opera had premiered in Genoa two years earlier, specific musical elements, as well as the characterisation and dramatic discourse, indicate that Pasta composed it with the Lima audience in mind rather than the Italian one. The plot, a variation of Jean-François Marmontel’s 1777 novel L’Empire du Pérou, tells the love story between an Inca maiden and a Spanish soldier against the backdrop of the fall and death of the last Inca sovereign. The opera has been cited in various studies—such as those by Malena Kuss (1976), Vera Wolkowitz (2022), and Zoila Vega (2023)—both for its Americanist theme and for its use of local musical forms like the yaraví and cashua, as well as its quotation of the Peruvian National Anthem that closes the work. Meanwhile, scholars including Aníbal Centragolo (2015), Miguel Farías (2020), and Michelle Clayton (2023) have discussed it within the contexts of Latin American nationalism and the representation of Pre-Columbian America in continental lyrical works.
In this paper, I argue that the opera presents a teleological vision of history in which the fall of the Inca Empire is portrayed as inevitable and even necessary to justify the subsequent independence movements, as if the empire that fell in 1532 and the state formed in 1821 at emancipation were one and the same socio-political entity. Furthermore, I explore the possibility that Atahualpa’s success in Lima derived from its affinity with the political project of the Peruvian Creole elites, who sought to invoke an Inca heritage to legitimize their economic, social, and cultural dominance in Peru—attempting to rescue the nation from its ‘tragic Andean past’—without relinquishing their place within a Western, Christian international order that the Spanish Empire had ‘enabled’ through conquest and whose diplomatic, commercial, and political relations greatly benefited these social groups.
ESPAÑOL
El 11 de enero de 1877, Carlo Enrico Pasta, un compositor italiano que llevaba muchos años instalado en Sudamérica, estrenó exitosamente en Lima su ópera en cuatro actos Atahualpa, con libreto de Antonio Ghislanzoni, el mismo de Aída de Giuseppe Verdi. La ópera ya había sido estrenada en Génova dos años antes, pero recursos musicales específicos, así como la disposición y discursos de sus personajes, demuestran que Pasta pensaba más en el público limeño que en el italiano al momento de componerla. La trama, una variación de la novela de Jean-Francois Marmontel, L´Empire du Perou, escrita en 1777, narra los amores de una doncella inca con un soldado español teniendo como telón de fondo la caída y muerte del último soberano inca. La ópera ha sido citada en diversos estudios como los de Malena Kuss (1976), Vera Wolkowitz (2022) y Zoila Vega (2023), tanto por su tema americanista, como por el uso de algunos aires “de la tierra” como el yaraví y la cashua y la cita al Himno Nacional del Perú que cierra la ópera, en tanto Aníbal Centragolo (2015), Miguel Farías (2020) y Michelle Clayton (2023) le han dedicado algunas palabras desde los estudios del nacionalismo latinoamericano y la tematización de la America Precolombina en la lírica continental.
En este trabajo planteo que esta ópera presenta una visión teleológica de la historia, donde la caída del imperio incaico se lee como inevitable e incluso necesaria para justificar la ulterior independencia, como si el imperio caído en 1532 y el estado formado con la Emancipación en 1821 fueran el mismo conglomerado socio-político; pero además, estudio la posibilidad de que Atahualpa tuviera éxito en Lima porque demostró afinidad con el proyecto político de las élites criollas peruanas que buscaban apelar a una herencia incaica que justificara su dominio económico, social y cultural en el territorio peruano, ––ya que intentaban rescatar a la nación de su ‘trágico pasado andino’––, sin renunciar al posicionamiento dentro de un escenario internacional, occidental y cristiano que el imperio español había ‘posibilitado’ con la conquista y de cuyas relaciones diplomáticas, comerciales y políticas se beneficiaban ampliamente dichos sectores sociales.
Zoila Vega Salvatierra, violinist, conductor, and musicologist, is a professor of musical research at the National University of San Agustín in Arequipa, Peru, and a lecturer at the Pontifical Catholic University of Peru. She holds a Bachelor of Arts with a major in Music from the National University of San Agustín de Arequipa (1995), a Master’s degree in Musicology from the University of Chile (2001), a PhD in Social Sciences from the National University of San Agustín de Arequipa (2005), and a PhD in Musicology from the National Autonomous University of Mexico (2019). She has published books and articles on Peruvian music from the eighteenth to the twentieth centuries, including Texto y Contexto de la obra de Roberto Carpio en la Arequipa del siglo XX (UNSA, 2001), Vida musical cotidiana en Arequipa durante el Oncenio de Leguía (1919-1930) (ANR, 2006), and Música en la Catedral de Arequipa 1609-1881 (UCSP, 2011).
Zoila Vega Salvatierra, violinista, directora de orquesta y musicóloga, es catedrática de investigación musical en la Universidad Nacional de San Agustín de Arequipa, (Perú) y docente en la Pontificia Universidad Católica del Perú. Es licenciada en artes mención música por la Universidad Nacional San Agustín de Arequipa (1995), magíster en musicología por la Universidad de Chile (2001) doctora en Ciencias Sociales por la Universidad Nacional San Agustín de Arequipa (2005) y doctora en Musicología por la Universidad Nacional Autónoma de México (2019). Ha publicado libros y artículos sobre música peruana de los siglos XVIII al XX entre los que figuran Texto y Contexto de la obra de Roberto Carpio en la Arequipa del siglo XX (UNSA 2001), Vida musical cotidiana en Arequipa durante el Oncenio de Leguía (1919-1930) (ANR, 2006) y Música en la Catedral de Arequipa 1609-1881(UCSP, 2011).
EMMANUEL POOL
(independent researcher, Mexico)
De Diego Landa al siglo XX.
Representaciones de «lo maya» en la ópera yucateca de 1924 a 1934
ENGLISH
The content of Relación de las cosas de Yucatán by Diego de Landa (1524–1579) has had a lasting impact on representations of Maya culture from the moment of its writing. The friar’s epigones repeated much of the information he recorded, and in the 19th century—following its rediscovery and modern edition by Brasseur de Bourbourg—his account came to be valued above other historical sources in the study of Maya civilisation. The fundamental issue with Landa’s Relación lies in its nature as a work of colonial ethnography, in which the otherness of the inhabitants of the Yucatán Peninsula is constructed through a range of ideological and rhetorical mechanisms. Through references to idolatry, “savagery,” cannibalism, human sacrifice, the supposed Jewish origins of the Maya, and detailed descriptions of rituals, dances, and musical instruments, Landa’s text constructed, translated, and represented cultural and racial difference between the Yucatecan Maya and the Spaniards. These representations shaped not only perceptions of the Maya people, but also influenced the broader debates of the Valladolid Controversy and the legal status of the Indigenous peoples of the Americas.
Such translations, constructs, and representations continued to resonate in later centuries. In the early 20th century, under the intellectual leadership of the revolutionary governor Felipe Carrillo Puerto (1874–1924) and the Partido Socialista del Sureste, these ideas took material form in various artistic expressions—literature, painting, architecture, and opera. This paper focuses on three examples of lyric theatre composed in Yucatán in the early decades of the 20th century: Kinchí by Gustavo Río Escalante, Xunan Tunich by Arturo Cosgaya, and Dignidad maya by Halfdan Jebe. It examines how these composers, drawing on the work of Landa and other colonial ethnographers (such as Diego López de Cogolludo and Bernardo de Lizana), represented the Maya in their operas. The analysis considers multiple dimensions of opera as a lyrical genre, including libretto stage directions, scenographic notes, instrumentation, and rhythmic design.
ESPAÑOL
El contenido de la Relación de las cosas de Yucatán de Diego de Landa (1524-1579) repercutió en la representación de la cultura maya desde su escritura: los epígonos del fraile repitieron parte de la información vertida por él, y durante el siglo XIX, con el redescubrimiento y la edición moderna creada por Brasseur de Bourbourg, su importancia se ponderó por encima de otras fuentes históricas en torno al conocimiento de la civilización maya. El problema esencial con la Relación de Landa radica en su naturaleza de etnografía colonial con la cual, y mediante un conjunto de mecanismos ideológicos y retóricos, se representaba la otredad de los habitantes de la península de Yucatán. Es así que, a través de las menciones sobre idolatría, «salvajismo», canibalismo, sacrificios humanos, el origen judío de los habitantes de Yucatán, descripciones de rituales, bailes e instrumentos musicales presentes en la Relación de Landa, se construía, traducía y representaba la diferencia cultural y racial entre los habitantes de la península yucateca y los españoles. Todo ello incidía, no sólo en la forma de ver al maya, sino en las diatribas en torno a la Controversia de Valladolid y la condición jurídica de los americanos.
Esas traducciones, constructos y representaciones tuvieron eco en los siglos venideros y a principios del siglo XX, bajo la égida intelectual del caudillo Felipe Carrillo Puerto (1874-1924) y del Partido Socialista del Sureste, se personificaron en diversas manifestaciones artísticas: literatura, pintura, arquitectura y ópera. Esta conferencia se centra en tres ejemplos del género lírico creado en Yucatán en las primeras décadas del siglo XX, Kinchí de Gustavo Río Escalante, Xunan tunich de Arturo Cosgaya y Dignidad maya de Halfdan Jebe, mostrando la forma en la que los compositores, tomando como base el conocimiento de Landa y otros etnógrafos coloniales (Diego López de Cogolludo, Bernardo de Lizana, etc.), representaron al maya en sus obras, abarcando diferentes aspectos de la ópera como género lírico, desde las didascalias en los libretos, apuntes de escenografía, así como el instrumental y sus ritmos.
Singer, instrumentalist, and researcher. He holds a degree in vocal performance from the Escuela Superior de Música (under Héctor Sosa), a Master’s in Performance (FaM-UNAM, 2020), and a PhD in Musicology (FaM-UNAM, 2025). He was awarded the “Contratenor de México” Prize in the first edition of the Olivia Gorra Competition (2015) and received the Federico Ibarra University Distinction for his doctoral thesis (2025). He has edited part of the works of Gerhart Muench (Tumulum Veneris, Concert pour piano, Concierto para violín), Severino by Salvador Moreno, Eugenia by Armando Ortega Carrillo, as well as the piano versions of the operas Carlota (Luis Sandi), El último sueño (José F. Vásquez), Kinchí (Gustavo Río Escalante), Xunan Tunich (Arturo Cosgaya), and Dignidad maya (Halfdan Jebe).
Cantante, instrumentista e investigador. Licenciado en canto por la Escuela Superior de Música (cátedra de Héctor Sosa), Maestro en Interpretación (FaM-UNAM, 2020), Doctor en musicología (FaM-UNAM, 2025). Premio Contratenor de México de la primera edición del Concurso Olivia Gorra (2015), Distinción universitaria Federico Ibarra por su tesis doctoral (2025). Ha editado parte de la obra de Gerhart Muench (Tumulum Veneris, Concert pour piano, Concierto para violín), Severino de Salvador Moreno, Eugenia de Armando Ortega Carrillo y las versiones para piano de las óperas Carlota (Luis Sandi), El último sueño (José F. Vásquez), Kinchí (Gustavo Río Escalante), Xunan tunich (Arturo Cosgaya) y Dignidad maya (Halfdan Jebe).
LEONARDO MANZINO
(Universidad de la República)
Opera in Uruguayan territory during the nineteenth century: from the Tonadilla Escénica in the Viceroyalty of the Río de la Plata
to the rise of Uruguayan opera with Italian flair
ENGLISH
This paper details different forms and languages concerning music, Hispanic theatre and the presence of opera in Uruguayan territory throughout the 19th century. The principal areas addressed are opera antecedents during the Spanish colonial period and the emergence of Uruguayan opera in the last quarter of the 19th century, a period when two operas by Uruguayan composer León Ribeiro depict both a national quest for identity and the common heritage in former Spanish territories. It also considers stylistic inclinations towards European theatre music and the involvement of European and Uruguayan opera composers, librettists, singers, and impresarios.
With the opening in 1793 of the first theatre in Montevideo, the Casa de Comedias, music reached the stage in Uruguayan territory under the Viceroyalty of the Río de la Plata. This offered Spanish Tonadilla Escénica during the colonial period. When the United Kingdom of Portugal, Brazil and Algarve (Empire of Brazil from 1822) ruled Uruguayan territory between 1817 and 1825, Italian singers and actors who visited Rio de Janeiro also toured Montevideo. Italian opera arrived in Montevideo in 1830 leading in 1856 to the opening of the Teatro Solís—a typical 18th century style Italian opera house. The rise of Uruguayan opera occurred in the latter part of the 19th century when European immigration massively boosted the population of Montevideo. Two Uruguayan operas by León Ribeiro—Liropeya (1879) and Colón (1892)—reveal the syncretism that joined local forces with their European counterparts.
Ribeiro´s Liropeya and Il Guarany (1870) by Brazilian composer Antônio Carlos Gomes —produced in Montevideo in 1876—characterise indigenous and Iberian peoples. Ribeiro used a fresh libretto in Italian inspired by a dramatic piece in Spanish published in 1853 on native ethnicity—El Charrúa by Uruguayan playwright Pedro P. Bermúdez. Liropeya precedes the poem Tabaré (1888) by Uruguayan poet Juan Zorrilla de San Martín that inspired the homonymous 1913 Spanish drama lírico by Tomás Bretón, which was revived in Madrid in 2022. Ribeiro´s Colón (1892) commissioned to commemorate the fourth centenary of Columbus´s voyage to the New World remains the only extant 19th century opera with a Spanish libretto composed to celebrate that occasion. Excerpts from Ribeiro´s manuscripts edited in 2018 provide the source for considering stylistic trends. Newspapers and music magazines provide information on tours by European opera companies on the Atlantic Brazilian coast and the River Plate area. These were pivotal to the development of opera business in Uruguay.
ESPAÑOL
Este trabajo analiza diversas formas y lenguajes relacionados con la música, el teatro hispánico y la presencia de la ópera en territorio uruguayo a lo largo del siglo XIX. Aborda principalmente los antecedentes operísticos en la época colonial española y el surgimiento de la ópera uruguaya en el último cuarto del siglo, cuando dos óperas del compositor León Ribeiro expresan tanto la búsqueda de una identidad nacional como la herencia común en los antiguos territorios españoles. También se consideran las tendencias estilísticas hacia la música teatral europea y la participación de compositores, libretistas, cantantes e impresarios tanto europeos como uruguayos. Desde la apertura en 1793 de la Casa de Comedias de Montevideo, bajo el Virreinato del Río de la Plata, la música se hizo presente en el escenario uruguayo mediante la tonadilla escénica española. Durante el dominio del Reino Unido de Portugal, Brasil y Algarve (posteriormente Imperio del Brasil desde 1822), Montevideo recibió también a cantantes y actores italianos provenientes de Río de Janeiro. La ópera italiana llegó formalmente en 1830, desembocando en la inauguración del Teatro Solís en 1856, un teatro de ópera típico del estilo italiano del siglo XVIII. La ópera uruguaya floreció hacia finales del siglo XIX, en un contexto de fuerte inmigración europea en Montevideo.
Las óperas Liropeya (1879) y Colón (1892) de Ribeiro revelan un sincretismo entre lo local y lo europeo. Liropeya —con libreto en italiano basado en El Charrúa (1853) del dramaturgo Pedro P. Bermúdez— precede al poema Tabaré (1888) de Juan Zorrilla de San Martín, que inspiró la obra homónima de Tomás Bretón en 1913, recientemente recuperada en Madrid (2022). Colón, compuesta para el cuarto centenario del viaje de Cristóbal Colón, es la única ópera del siglo XIX con libreto en español conservada para tal conmemoración. Fragmentos editados en 2018 de los manuscritos de Ribeiro permiten examinar sus tendencias estilísticas, mientras que la prensa y revistas musicales del período documentan las giras de compañías europeas por la costa atlántica brasileña y el Río de la Plata, fundamentales para el desarrollo del negocio operístico en Uruguay.
Leonardo Manzino is a musicologist specializing in South American music history, with a focus on the River Plate region. His research spans from 17th–18th century Baroque villancicos to 19th-century Latin American opera. He has contributed to The New Grove Dictionary of Music and Musicians (2001) and edited Composers of the Americas (vol. 20), along with books and critical editions in the Uruguayan Romantic Music series (2004–2019). Manzino holds degrees in Musicology from the Universidad de la República (Uruguay) and a Ph.D. in Musicology from The Catholic University of America (Washington, D.C.). He is currently professor at the Instituto de Humanidades y Artes (Consejo de Formación en Educación), the Escuela de Música Vicente Ascone, and the Escuela Nacional de Arte Lírico del SODRE in Montevideo. From 1993 to 2020, he also served as Adjunct Professor at the Escuela Universitaria de Música, Universidad de la República.
Leonardo Manzino es musicólogo especializado en la historia musical de Sudamérica, con énfasis en la región del Río de la Plata. Su investigación abarca desde el villancico barroco de los siglos XVII y XVIII hasta la ópera latinoamericana del siglo XIX. Ha contribuido con artículos para The New Grove Dictionary of Music and Musicians (2001) y editado el volumen 20 de Composers of the Americas, además de publicar libros y ediciones críticas en la serie Música Romántica Uruguaya (2004–2019). Es licenciado en Musicología por la Universidad de la República (Uruguay) y doctor en Musicología por The Catholic University of America (Washington, D.C.). Actualmente es profesor en el Instituto de Humanidades y Artes (Consejo de Formación en Educación), en la Escuela de Música Vicente Ascone y en la Escuela Nacional de Arte Lírico del SODRE, en Montevideo. Entre 1993 y 2020 fue profesor adjunto en la Escuela Universitaria de Música de la Universidad de la República.
Tonadilla escénica
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